El detonador - Actualidad musical independiente

Han pasado ya dos años desde que se publicó 'Verbos Copulativos', el interesante debút de Arcana Has Soul, banda creada en 2009 y afincada en Sagunto, que factura un folk íntimo, próximo por momentos al country americano –escucha Remember y déjate invadir por la calidez que transmite-. Comandados por la guitarra de Jose Rodríguez y por la excelente voz de Lourdes Trujillo, la formación se completa  con Paco Doménech (violín), Toni Benedito (cello en funciones de contrabajo) y Pablo Campos  (cajón flamenco). Se salen un poco del guión general con Dagger, la canción que abre el álbum, una ranchera que recuerda al gran Willie DeVille -¿de verás hay alguien que no ha escuchado su versión de Hey Joe, del inmortal Jimi Hendrix?-, y con A, el único tema en castellano, más cerca del pop que facturamos por estas tierras. También nos dejan una refrescante versión de Drive My Car de los Beatles en clave latina. Aunque se echa de menos algo más de groove –Arcana se completa a día de hoy con Jose Antonio a la batería-, el resultado general es muy compacto, destacando sobre el resto la labor de Lourdes. A ver de qué son capaces en el futuro.

Disco del mes. Disco del año más bien diría yo. Un disco 10, superando claramente cualquier trabajo publicado en la actualidad. Un álbum trabajado con mimo. Cocinado como un buen guiso. Despacio. A fuego lento. Incluyendo cada uno de sus ingredientes en su momento justo y aplicando el secreto mejor guardado del chef en su justa medida. En términos culinarios: Amor de Tokyo ganaría la estrella Michelin.

Lejos queda ya aquel 2008 cuando Roberto Urtzaiz encendió la llama de la cocina de este personal proyecto. Poco a poco, y para desesperación para todos aquellos que estábamos deseosos de probar bocado, esas canciones fueron adquiriendo matices que han ayudado a la evolución de las mismas, hasta llegar a lo que hoy podemos disfrutar. Todos aquellos que ya soñábamos con que tuviesen una digna continuación los temas Singular, Herida Abierta, Protección, Volver y Táctica y Estrategia, nos quedamos con la boca abierta con Vendrá tu boca, Irrompible, Entre los dedos, Incendiar o Sálvame y el tema que da título al disco Escorpiones. Auténticos ases en la manga escondidos para crear este pelotazo musical.

Debo admitir que la sombra de la duda llegó a planear sobre mi cabeza al ver que pasaba el tiempo y nunca llegaba el disco. Ánimos y desánimos de su autor hacían presagiar lo peor. Pero la naturaleza es sabia y ha querido que su creación llegue. Auténticos privilegiados nos sentimos todos aquellos que podemos degustar tal plasmación artística. Consigue con su ópera prima su propio sonido. Un sonido que no busca en ningún saco, pero que es fácilmente reconocible por el alto grado de sensibilidad y el buen gusto plasmado en cada una de las canciones.

La principal sensación que te queda una vez has digerido el disco y comienzas su digestión reflexóloga es que de nuevo se ha vuelto a convertir el desamor en arte. No tenía esa sensación desde el memorable '1999' de Love of Lesbian, y en una época en el que las rupturas sentimentales están tan de moda (Supersubmarina, Lori Meyers..), Amor de Tokyo pone el listón muy (pero que muy) alto.

Un disco al que no le sobra ninguna canción. Donde se da el lujo de prescindir de otras grandes canciones que ya publicó anteriormente y que eran autenticas obras de arte (Como se vive igual). Donde la evolución de las publicadas es perfecta. Canciones que pasarían a la historia de la música independiente de este país si tuvieran el respaldo discográfico necesario. Un disco que sacaría los colores a más de un grupo que se tiene que apoyar en un productor de prestigio que les ayude a sacar las castañas del fuego, ya que no hay que olvidar que todo lo que aquí fluye es auto producido, "auto instrumentalizado", llevando a su máxima expresión el “Yo me lo guiso yo me lo como”.

Reto a cualquier persona a que escuche este disco a que si no siente nada especial al escuchar el disco me tache de sordo o falto de gusto musical. Si adquieres este disco ten en cuenta que has conseguido una autentica joya, algo que como un el paso cercano de un cometa, pasa cada muchos años. Acabarás dándome las gracias por recomendarte este trabajo.

Y lo que más vértigo da es que ahora amenaza con sacar otro disco con el material nuevo que tiene. Buena noticia, si no nos tortura con otra espera de más de 5 años.

No hay quinto malo, y menos si se trata de Julio De la Rosa, que logra en su quinto trabajo de estudio la conciliación de letras, música y voces, toda una pirueta enmarcada dentro de un decálogo de situaciones y experiencias (ficticias o no) que desembocan en un concepto: El amor. El amor y sus consecuencias, la erosión de la relaciones interpersonales, el odio, la venganza, la euforia,… De todo esto y un poco más tratan las letras de 'Pequeños Trastornos Sin Importancia'.

Siguiendo el rastro vocal de Nacho Vegas, Julio va disparando situaciones e historias, siempre acompañadas por el refuerzo vocal de gente como Bunbury, Juan Alberto Martínez (Niños Mutantes), Xoel López o Annie B.Sweet, sin duda la parte más destacada del álbum, sin ese background de voces quizá los resultados habrían sido totalmente distintos. Es esa segunda voz, o terceras y cuartas, las que imprimen el carácter a las canciones, demostrando que el artista jerezano sabe hacerse acompañar. Al igual que en la instrumentación cuenta con los músicos de Havalina y con colaboraciones de integrantes de La Habitación Roja y We Are Standard.

Está claro que De la Rosa ya no solo hablan por un video (Maldiciones Comunes) y una portada polémica. Ya tiene una reputación ganada y, como en este álbum, un buen puñado de grandes canciones en su haber.

Con cuatro trabajos ya en el mercado, el jienense Pachi Garcia, "Alis",  se gradúa con este ‘Cantos de Ocasión’. Bajo el amparo en la producción de Suso Saiz, el álbum consta de 10 temas más un delicioso bonus track.

Escuchando el tema que nombra y abre el disco, Cantos de ocasión, realmente todo hace indicar que estamos ante uno de los temas imprescindibles de este 2013. Una canción con un sonido propio, algo casi inconcebible a dia de hoy, una guitarra funky y una melodía que crea adicción. Alineación de planetas sigue el tono musical de la apertura y, Los que no se arrepienten es una descollante pieza de virtuoso pop.

Con Tachadme de las listas de las bodas se emparentan con sus vecinos Lori Meyers, con ese estilo a Los Brincos tan recurrente últimamente en el pop patrio. Palabras que compré y su intimo piano de aspecto gótico-psicodélico abre una trilogía de temas que cabrían en cualquier disco de Radiohead (El canto de la lluvia y Aún sin poder salir del sueño), Defectos sin efectos es una resultona canción de redención, y El pais de mis digestiones, un hitazo glam, que prueba la heteregoneidad del trabajo del de Baeza.

Después del piano Lennon de Donde no llega el humo llegamos al final del trayecto. Chocante como poco que un bonus track sea de lo mejorcito del álbum, El gigante de Big Fish, todo un homenaje burtoniano, es un dechado de poesía, calma y ternura que te pone la sonrisa en la cara como despedida. Su nominación a un Goya no era flor de un día.

Parte importante en la trayectoria de Jose Ignacio Lapido y componente de Jean Paul, Víctor Sánchez se cuelga la guitarra y vuela en solitario. Detrás del fastuoso nombre del disco 'Yo quemé a Gram Parsons' se esconde una mini guía de pop luminoso y directo, exento de artificios.

Seis piezas con una cuidado aspecto y terminación, donde lo importante es sacar el jugo a cada instrumento (vital importancia al hammond de Raúl Bernal), sin descuidar la melodía. El disco ha sido grabado en los estudios Angeles Records y Producciones Peligrosas por por Isaac Zafra y JASS y masterizado por Pablo Sánchez.

Contando con las colaboraciones de Raúl Bernal (Jean Paul), Antonio Lomas (Lori Meyers), Miguel López (Grupo de Expertos Solynieve), el pop de Victor no tiene fisuras, su aspecto light rememora en ocasiones a los mejores Los Secretos (la apetitosa El contrato) o a Mikel Erentxun (Níscalo). Canciones para revitalizar dias plomizos.

Puedes escuchar el disco completo en:

http://victorsanchez.bandcamp.com

Tracklist:

01.El rescate (free)

02.El contrato

03.Una razón de fe

04.Entre hilos

05.Níscalo

06.De la paz

Vaya salto de calidad han dado Toundra en su nuevo disco. Con 'II' (2010) nos dejaron esperando ver de qué más eran capaces, y con 'III' está claro que han dado en el clavo. El guiño a the Edge con el riff que abre el álbum es apenas un espejismo, una nota más a pie de página en la maraña de colores y sensaciones que deja 'III', un disco capaz de llevarnos de viaje desde los ambientes cálidos rotos sólo por furiosos estallidos de metal directo -Cielo Negro sería todo un himno con la voz de Bruce Dickinson, pero aquí no se trata de eso- al rock progresivo –el riff final de Ara Caeli no tiene nada que envidiar a los que suele facturar John Petrucci- y todo con ciertos toques de nu-metal.  Salvo en Marte que es puro rock de principio a fin, en 'III' los chicos de Toundra -Víctor García-Tapia (guitarra), Esteban Girón (guitarra), Alberto Tocados (bajo, teclados) y Álex Pérez (batería)- se atrincheran con gusto en los medios tiempos, en las escalas menores, creando un dramatismo que recorre los seis temas como si de una ópera wagneriana se tratase, meciéndonos en un trance que nos acompañará hasta el final -final feliz por otra parte, con la tremenda Espírita, todo un clinic de cómo se debe tocar una batería de rock-. De hecho, en esta ocasión y con gran sabiduría por su parte, las cuerdas tienen más peso, lo que sumado a la aparición puntual de otros instrumentos como piano o xilófono, junto con la intro de algunos temas, da más profundidad y brillo al resultado final. Y este es precisamente el gran acierto de este disco, lo compacto que suena, con cada tema formando parte de un todo.

Realmente ha debido ser un verdadero quebradero de cabeza dejar las canciones en sólo 6-7 minutos, porque seguro que en su local de ensayo debían durar fácilmente media hora. Una vez escuchado y reescuchado el álbum sólo queda preguntar, ¿para cuándo Toundra IV?

El grupo madrileño Magnética nos prometían un cambio de 180º en su sonido. Yo diría que más que un cambio, es un salto en la evolución de su música. Un mejor tratamiento y una apuesta por la calidad de la que puedo dar fe escuchando 'Friogenia' (Chitón Records). Se puede apreciar perfectamente el mimo con el que han sido creados los 11 temas cuando escuchas este sorprendente disco. Cada uno de los mismos te sumerge en un universo diferente, un universo lleno de matices que aprecias mejor con cada nueva escucha. Consiguen hacerte viajar al sonido más oscuro de los revitalizados 80', te hipnotizan con acordes que evocan tiempos más románticos, celebras que el nivel y calidad de los grupos indies patrios está cada día mas alto y gracias al buen hacer de Aksel Gil (voz y guitarras) e Israel Leal (bajo y coros) que ponen el listón muy alto.

La voz de su cantante que en ocasiones recuerda un Carlos Ann en plena efervescencia y sus trabajadas letras, se alejan del pop más básico. La producción de Manuel Colmenero y Javibu Carretero ha ayudado a continuar la madurez del grupo, dando un salto mortal hacia delante que hará las delicias de los paladares mas exquisitos. El hecho de ser un disco auto producido les da la libertad de hacer y expresar con música todo su potencial.

Pones 'Friogenia' en tu reproductor y desde su primera canción No tienes alma ya te das cuenta que estas escuchando algo grande. Te envuelven con el riff guitarrero De 1 a 2, la garra de Anagrama y su tema más pop No te lo diría. Ahora ya no puedes hacer nada. Nos recuerdan a los mejores tiempos de La Habitación Roja en Volarlo todo y Ley Universal y de vuelta a la oscuridad con Da igual. Momento de respiro con Terapia de Choque y volvemos a la acción con La Matriz, Ocho pasos, para finalizar redondeando con Lucha de Palabras.

Con este disco marcan un camino a seguir y una evolución, augurando un gran futuro y talento, que esperamos poder disfrutar durante mucho tiempo.

Los madrileños tienen su génesis en la desaparición de la banda Zoo, con músicos que ya tienen un recorrido en grupos como Nudozurdo, La casa del árbol o Gizmo. Estas ‘Radiografías’ representan el debut de Pasajero, un compendio de 12 canciones en las que no sobra ni falta ninguna, donde sorprende su capacidad para adaptarse a los matices más candorosos y a los más grasientos. El pozo y el péndulo (título deudor de Poe) es una meritoria apertura de disco, aromas de los Radiohead del Ok Computer, y quizá la canción de más calidad (musicalmente) pero no la mejor.

Con Volverme a preguntar estamos sin duda ante una de la canciones nacionales del año, piruetas vocales para una pieza en la línea de Iván Ferreiro en solitario. Perdóname calca algunos compases de Violet Hill de Coldplay, al menos sus acordes iniciales, para dar rienda suelta a continuación a su lado más melódico, algo que reafirma Accidentes. La apabullante Mañana, donde los serenos dejes pop a lo Stereophonics dejan paso a a rotundos pasajes eléctricos y teclados vigorosos vistiendo la rabiosa voz de Daniel Arias.

Random retrotrae a tiempos donde los Sexy Sadie reinaban en el panorama indie. Pasajero es una banda de extremos, o frio o caliente, o canciones lánguidas de bello pop o rampazos de adrenalina, como en Borro mi nombre, todo un chute, o La copia de otra copia, grunge del bueno. Platos rotos vuelve a rememorar a Ferreiro al piano. En Tu Circo se exhiben los excelentes teclados de Eduardo Paynter, una pieza a lo Vetusta Morla. En la Mitad y Autoconversación, dentro de su aparente quietud y su tono decadente, guardan una rabia contenida que se desata en la última mencionada, un glorioso tema con unas percusiones finales a-no-na-dan-tes.

Está claro que, llegados a este punto, Antònia Font, ya hacen lo que les da la real gana, y, si se les antoja colocarnos 40 canciones en un solo álbum, lo hacen sin ningún tipo de complejo. La banda mallorquina es una máquina de fabricar canciones, y es que este 'Voste está aquí' nos llega cuando aún resuenan los ecos de sú último trabajo de estudio, el espléndido 'Lamparetes' (2011)

Los Antonia en su versión más prolífica ofrecen algo parecido a lo sugiere el mapa de metro de la portada, temas cortos como los trayectos entre parada y parada, donde solo da el tiempo justo de revisar que la cartera siga en su sitio y hacerse sitio para bajarse sin que te engulla el barullo de gente. Piezas que encajan unas con otras, y otras que, simplemente, campan a sus anchas por su cuenta y riesgo. Concesiones para algún tema en castellano (Leyenda Negra) y para estilos alejados del pop al que nos tienen acostumbrados (ese deje por la electiricidad).

Canciones que bien podrían formar parte de 4 discos de los de Joan Miquel, dado el nivelazo que dejan entrever (pocas concesiones al relleno, Nous partons pour la France), se sugieren los temazos y la sensación de coitus interruptus predomina sobre cualquier otra, ya que, rara vez, alcanzan los dos minutos, dejándonos con la miel en los labios casi siempre, nos enseñan el trailer pero no la película. Quizá por eso no merezcan la media estrella que les falta para la matrícula de honor.

Curiosa es la trayectoria de esta banda de Villena formada a principios de los 90, alguna maqueta y solo un disco de estudio ('Armas de Casa', 1999) suponen un corto bagaje para un combo que lleva en activo más de dos decádas. Incluir dos canciones suyas en la banda sonora de uno de los mejores films del cine español (Tésis) fue clave para lograr el impulso que su música merece.

Ahora, vuelven con este 'El Hombre Comestible', un tratado de art rock con toques de funky que funciona a las mil maravillas. Qué diran mis fans destila ironía de la fina, donde el cuarteto trata el topic de la fama “ que dirán si no muero abatido a las puertas de un hotel” es una de esas frases afiladas presentes en todo el álbum, es el tema clave del mismo, que recuerda en sus compases iniciales a The Cure. Aunque, curiosamente, para nada la banda de Robert Smith un referente a lo largo del disco, más bien bandas como Les Savy Fav son un punto de apoyo, lo deja bien a las claras Comida Rápida o cualquiera de los siete primeros pepinazos que conforman la columna vertebral del reputado hombre comestible.

La parte final destila aroma funk a lo Red Hot Chili Peppers (los buenos, los del Blood Sugar Sex Magic) en canciones como Por no estar y Tony Manero, donde Jose Antonio Tomás muestra sus habilidad al micrófono, y la banda, sus habilidades para las frases puntiagudas y los juegos de palabras. El testículo electrónico es una fantástica instrumental que pone el cierre a un notable trabajo.