El detonador - Actualidad musical independiente

Han pasado ya dos años desde que se publicó 'Verbos Copulativos', el interesante debút de Arcana Has Soul, banda creada en 2009 y afincada en Sagunto, que factura un folk íntimo, próximo por momentos al country americano –escucha Remember y déjate invadir por la calidez que transmite-. Comandados por la guitarra de Jose Rodríguez y por la excelente voz de Lourdes Trujillo, la formación se completa  con Paco Doménech (violín), Toni Benedito (cello en funciones de contrabajo) y Pablo Campos  (cajón flamenco). Se salen un poco del guión general con Dagger, la canción que abre el álbum, una ranchera que recuerda al gran Willie DeVille -¿de verás hay alguien que no ha escuchado su versión de Hey Joe, del inmortal Jimi Hendrix?-, y con A, el único tema en castellano, más cerca del pop que facturamos por estas tierras. También nos dejan una refrescante versión de Drive My Car de los Beatles en clave latina. Aunque se echa de menos algo más de groove –Arcana se completa a día de hoy con Jose Antonio a la batería-, el resultado general es muy compacto, destacando sobre el resto la labor de Lourdes. A ver de qué son capaces en el futuro.

Disco del mes. Disco del año más bien diría yo. Un disco 10, superando claramente cualquier trabajo publicado en la actualidad. Un álbum trabajado con mimo. Cocinado como un buen guiso. Despacio. A fuego lento. Incluyendo cada uno de sus ingredientes en su momento justo y aplicando el secreto mejor guardado del chef en su justa medida. En términos culinarios: Amor de Tokyo ganaría la estrella Michelin.

Lejos queda ya aquel 2008 cuando Roberto Urtzaiz encendió la llama de la cocina de este personal proyecto. Poco a poco, y para desesperación para todos aquellos que estábamos deseosos de probar bocado, esas canciones fueron adquiriendo matices que han ayudado a la evolución de las mismas, hasta llegar a lo que hoy podemos disfrutar. Todos aquellos que ya soñábamos con que tuviesen una digna continuación los temas Singular, Herida Abierta, Protección, Volver y Táctica y Estrategia, nos quedamos con la boca abierta con Vendrá tu boca, Irrompible, Entre los dedos, Incendiar o Sálvame y el tema que da título al disco Escorpiones. Auténticos ases en la manga escondidos para crear este pelotazo musical.

Debo admitir que la sombra de la duda llegó a planear sobre mi cabeza al ver que pasaba el tiempo y nunca llegaba el disco. Ánimos y desánimos de su autor hacían presagiar lo peor. Pero la naturaleza es sabia y ha querido que su creación llegue. Auténticos privilegiados nos sentimos todos aquellos que podemos degustar tal plasmación artística. Consigue con su ópera prima su propio sonido. Un sonido que no busca en ningún saco, pero que es fácilmente reconocible por el alto grado de sensibilidad y el buen gusto plasmado en cada una de las canciones.

La principal sensación que te queda una vez has digerido el disco y comienzas su digestión reflexóloga es que de nuevo se ha vuelto a convertir el desamor en arte. No tenía esa sensación desde el memorable '1999' de Love of Lesbian, y en una época en el que las rupturas sentimentales están tan de moda (Supersubmarina, Lori Meyers..), Amor de Tokyo pone el listón muy (pero que muy) alto.

Un disco al que no le sobra ninguna canción. Donde se da el lujo de prescindir de otras grandes canciones que ya publicó anteriormente y que eran autenticas obras de arte (Como se vive igual). Donde la evolución de las publicadas es perfecta. Canciones que pasarían a la historia de la música independiente de este país si tuvieran el respaldo discográfico necesario. Un disco que sacaría los colores a más de un grupo que se tiene que apoyar en un productor de prestigio que les ayude a sacar las castañas del fuego, ya que no hay que olvidar que todo lo que aquí fluye es auto producido, "auto instrumentalizado", llevando a su máxima expresión el “Yo me lo guiso yo me lo como”.

Reto a cualquier persona a que escuche este disco a que si no siente nada especial al escuchar el disco me tache de sordo o falto de gusto musical. Si adquieres este disco ten en cuenta que has conseguido una autentica joya, algo que como un el paso cercano de un cometa, pasa cada muchos años. Acabarás dándome las gracias por recomendarte este trabajo.

Y lo que más vértigo da es que ahora amenaza con sacar otro disco con el material nuevo que tiene. Buena noticia, si no nos tortura con otra espera de más de 5 años.

Pocas veces o ninguna tenemos la oportunidad de que llegue a nuestras manos un álbum chileno, al igual que pocas veces o ninguna hemos escuchado algo procedente de esta parte de América. Como alguna vez hay que desvirgarse, llega a nuestras manos este ‘Irreversible’ de Sergio Lagos.

Periodista, presentador de televisión, y con una extensa carrera como músico en la popular (por supuesto, en su país) banda Marciano, con la que llega a grabar cinco largos y que recientemente ha vuelto a levantar el vuelo. Lo que nos trata es el tercer trabajo en solitario de Lagos, continuación de ‘Concepción’, de 2008. Un impass de 4 años (el disco es de 2012) que resulta beneficioso viendo los resultados finales.

Un estilo similar al rock norteamericano de finales de los 70 es lo que podemos encontrarnos en Estrellaré, se nota que Lagos versioneaba a bandas como Aerosmith en sus primeros guitarrazos. Harmónica bluesera y guitarras pesadas que adornan una gran canción. Lengua es una píldora de rock psicodélico que deambula por caminos oníricos dentro de un orden establecido. Sujeto, verbo y predicado en lenguaje musical. La sexy Peligroso muestra a unos Gaffers (la banda que acompaña a Lagos) gustándose a la guitarra, punteos punzantes y coros candorosos. Fugaz es una tremenda balada que pone la nota de temple al disco.

Alarma, quizá el tema clave del álbum, cuenta con un estribillo que te carga las pilas en segundos con ese “fuera de control, alarma” es un vendaval de pianos juguetones que arrasa con todo a su paso. Presente es un medio tiempo que Lagos canta en un susurro y Dame exhibe una poderosa percusión y una melodía hipnotizante. Con Miguitas volvemos a coger la máquina del tiempo para bajarnos en los 70, en un garaje de cualquier banda hard-rock norteamericana. Unos arreglos crudos (ese piano) y una canción a la que le cuesta arrancar pero que acaba con una explosión instrumental.

Si bien es cierto que los tres últimos temas suponen una bajada de calidad con respecto a sus predecesores, no es obstáculo para decir que estamos ante un gran álbum, imprescindible para entender lo que se está cociendo en el rock chileno.

No hay quinto malo, y menos si se trata de Julio De la Rosa, que logra en su quinto trabajo de estudio la conciliación de letras, música y voces, toda una pirueta enmarcada dentro de un decálogo de situaciones y experiencias (ficticias o no) que desembocan en un concepto: El amor. El amor y sus consecuencias, la erosión de la relaciones interpersonales, el odio, la venganza, la euforia,… De todo esto y un poco más tratan las letras de 'Pequeños Trastornos Sin Importancia'.

Siguiendo el rastro vocal de Nacho Vegas, Julio va disparando situaciones e historias, siempre acompañadas por el refuerzo vocal de gente como Bunbury, Juan Alberto Martínez (Niños Mutantes), Xoel López o Annie B.Sweet, sin duda la parte más destacada del álbum, sin ese background de voces quizá los resultados habrían sido totalmente distintos. Es esa segunda voz, o terceras y cuartas, las que imprimen el carácter a las canciones, demostrando que el artista jerezano sabe hacerse acompañar. Al igual que en la instrumentación cuenta con los músicos de Havalina y con colaboraciones de integrantes de La Habitación Roja y We Are Standard.

Está claro que De la Rosa ya no solo hablan por un video (Maldiciones Comunes) y una portada polémica. Ya tiene una reputación ganada y, como en este álbum, un buen puñado de grandes canciones en su haber.

Con cuatro trabajos ya en el mercado, el jienense Pachi Garcia, "Alis",  se gradúa con este ‘Cantos de Ocasión’. Bajo el amparo en la producción de Suso Saiz, el álbum consta de 10 temas más un delicioso bonus track.

Escuchando el tema que nombra y abre el disco, Cantos de ocasión, realmente todo hace indicar que estamos ante uno de los temas imprescindibles de este 2013. Una canción con un sonido propio, algo casi inconcebible a dia de hoy, una guitarra funky y una melodía que crea adicción. Alineación de planetas sigue el tono musical de la apertura y, Los que no se arrepienten es una descollante pieza de virtuoso pop.

Con Tachadme de las listas de las bodas se emparentan con sus vecinos Lori Meyers, con ese estilo a Los Brincos tan recurrente últimamente en el pop patrio. Palabras que compré y su intimo piano de aspecto gótico-psicodélico abre una trilogía de temas que cabrían en cualquier disco de Radiohead (El canto de la lluvia y Aún sin poder salir del sueño), Defectos sin efectos es una resultona canción de redención, y El pais de mis digestiones, un hitazo glam, que prueba la heteregoneidad del trabajo del de Baeza.

Después del piano Lennon de Donde no llega el humo llegamos al final del trayecto. Chocante como poco que un bonus track sea de lo mejorcito del álbum, El gigante de Big Fish, todo un homenaje burtoniano, es un dechado de poesía, calma y ternura que te pone la sonrisa en la cara como despedida. Su nominación a un Goya no era flor de un día.

La arena en el centro de nuestros huesos y la tierra al final de nuestros dedos de los pies son las dos partes del sexto disco de estudio de los explosivos Biffy Clyro, una banda que borda el rock de estadio, demostrando que una propuesta dividida entre lo comercial y lo indie no está reñida con la calidad de su música. Una propuesta que, poco a poco, va ganandonse los corazones de los que se han bajado del carro de Muse o Green Day, solo por nombrar a dos bandas de estadio en horas bajas (a Foo Figthers los sacamos del saco claro)

Un barroco piano y unos chirriantes violines anticipan la bomba Different People, un tratado de su música, una carta de presentación que incide en lo que la banda escocesa es en estos momentos, un derroche de guitarras como puños, atadas a demoledores estribillos y al carisma de su líder, Simon Neil. Las relaciones tormentosas de Black Chandelier, uno de los singles adelanto del doble álbum, retoma la energía que deja Different People y la transforma en algo más melódico, sin prescindir de sus afiladas guitarras. Una vena melódica que vuelve a aparecer a lo largo del trayecto en piezas como The Thaw. Sound like balloons muestra la cara más indie y cruda de la banda, todo un pepinazo donde experimentan con el sonido del arpa. Opposite es el momento baladón de The Sand at the Coreo of our Bones, demostrando que se mueven como pez en el agua también cuando se ponen tiernos. La energética The Joke’s on us, cual tren de alta velocidad, casi descarrila. Lo mismo podemos decir de Little Hospitals y A girl and his cat, todo un petardo en el culo. Biblical posiblemente será una de las más coreadas en sus directos, en parte debido a sus coros de la parte final, toda una provocación. The Fog se define en dos palabras: psicodelia y distorsión, especial para destrozar instrumentos contra los amplis.

The Land at the end of our toes no solo no baja el nivel, sino que, a ratos, lo supera, en parte debido a las estruendosa gaitas made in Scotland de Stingin Belle, o ese subidón que produce la batería de Ben Johnston en Modern Magic Formula o por esa obra maestra llamada Spanish Radio, una gloriosa orgía de trompetas para un tema redondo. Remansos de paz iniciales que desembocan en tormentas, un guión que se repite en la convicente Victory over the sun. Con Pocket tiran más por el lado del rock convencional, con teclados a los Meat Loaf. En Trumpet or trap desvelan su lado más blues en una pieza en clave opera-rock. Skylight es el pequeño pecado sin importancia, el patinazo del disco, y es que ni ellos se ven coqueteando con las programaciones. El medio tiempo Accident without emergency, con los zurriagazos de Johnston a la batería, va poniendo el cierre al sublime sexto trabajo de la banda de Simon Neil. La onomatopéyica Woo Woo y Picture a knife fight, a pesar de que a estas alturas ya han transcurrido 20 canciones, deja con ganas de más. Está claro que 'Puzzle' (2007) y 'Only Revolutions' (2009) no son grandes por casualidad. Ganazas de verlos en directo!

Parte importante en la trayectoria de Jose Ignacio Lapido y componente de Jean Paul, Víctor Sánchez se cuelga la guitarra y vuela en solitario. Detrás del fastuoso nombre del disco 'Yo quemé a Gram Parsons' se esconde una mini guía de pop luminoso y directo, exento de artificios.

Seis piezas con una cuidado aspecto y terminación, donde lo importante es sacar el jugo a cada instrumento (vital importancia al hammond de Raúl Bernal), sin descuidar la melodía. El disco ha sido grabado en los estudios Angeles Records y Producciones Peligrosas por por Isaac Zafra y JASS y masterizado por Pablo Sánchez.

Contando con las colaboraciones de Raúl Bernal (Jean Paul), Antonio Lomas (Lori Meyers), Miguel López (Grupo de Expertos Solynieve), el pop de Victor no tiene fisuras, su aspecto light rememora en ocasiones a los mejores Los Secretos (la apetitosa El contrato) o a Mikel Erentxun (Níscalo). Canciones para revitalizar dias plomizos.

Puedes escuchar el disco completo en:

http://victorsanchez.bandcamp.com

Tracklist:

01.El rescate (free)

02.El contrato

03.Una razón de fe

04.Entre hilos

05.Níscalo

06.De la paz

Vaya salto de calidad han dado Toundra en su nuevo disco. Con 'II' (2010) nos dejaron esperando ver de qué más eran capaces, y con 'III' está claro que han dado en el clavo. El guiño a the Edge con el riff que abre el álbum es apenas un espejismo, una nota más a pie de página en la maraña de colores y sensaciones que deja 'III', un disco capaz de llevarnos de viaje desde los ambientes cálidos rotos sólo por furiosos estallidos de metal directo -Cielo Negro sería todo un himno con la voz de Bruce Dickinson, pero aquí no se trata de eso- al rock progresivo –el riff final de Ara Caeli no tiene nada que envidiar a los que suele facturar John Petrucci- y todo con ciertos toques de nu-metal.  Salvo en Marte que es puro rock de principio a fin, en 'III' los chicos de Toundra -Víctor García-Tapia (guitarra), Esteban Girón (guitarra), Alberto Tocados (bajo, teclados) y Álex Pérez (batería)- se atrincheran con gusto en los medios tiempos, en las escalas menores, creando un dramatismo que recorre los seis temas como si de una ópera wagneriana se tratase, meciéndonos en un trance que nos acompañará hasta el final -final feliz por otra parte, con la tremenda Espírita, todo un clinic de cómo se debe tocar una batería de rock-. De hecho, en esta ocasión y con gran sabiduría por su parte, las cuerdas tienen más peso, lo que sumado a la aparición puntual de otros instrumentos como piano o xilófono, junto con la intro de algunos temas, da más profundidad y brillo al resultado final. Y este es precisamente el gran acierto de este disco, lo compacto que suena, con cada tema formando parte de un todo.

Realmente ha debido ser un verdadero quebradero de cabeza dejar las canciones en sólo 6-7 minutos, porque seguro que en su local de ensayo debían durar fácilmente media hora. Una vez escuchado y reescuchado el álbum sólo queda preguntar, ¿para cuándo Toundra IV?

Sin apenas perder el tiempo, los sevillanos Marvin Green -banda formada por Arturo Giner (bajo), F.J. Curra (guitarra), Héctor Giner (batería), Queco Kabariti (voz) y Simón Velázquez (teclados)- nos presentan La soledad del Sheriff Kane, su segundo larga duración después de Los Días de Lowerside (2011) y su cuarta referencia de estudio. Producido por el reclamado Paco Loco -Australian Blonde, Sexy Sadie, Layabouts, entre muchos otros-, La Soledad del Sheriff Kane es un disco con aroma clásico, tanto por su estilo directo y rockanrolero con sonido deudor de los ’60 y ’70, como por su corta duración y la clara división de los temas en lo que podrían ser las dos caras de un vinilo.

El comienzo arrollador con Sheriff Kane, con el ritmo machacón de batería, seguido del tremendo riff de la guitarra de F.J. -impecable a lo largo del disco-, y la posterior entrada del hammond, deja claro que los Marvin van a por todas. Mamá Perdón nos lleva por momentos al Delta del Mississippi, con un riff que podría haber salido de los dedos del mismísimo John Lee Hooker. El ambiente se va calentando y llega Maldito Invierno, un tema que empieza de nuevo con el sonido sesentero del hammond y evoluciona hacia un estilo Hendrix con toques funk. Estos tipos saben bien lo que hacen. La hipotética cara A del álbum se cierra con Al Fresco, que empieza como una balada con aire Zeppelin -donde se luce especialmente la voz de Queco- para transformarse como una explosión en puro rock sureño. La cara B nos  mete directamente a territorio Stones, con temas más rockeros en los que el hammond deja paso al Fender Rhodes, y si cabe con sonido más actualizado. No Soy un Rey es fresca y radiable, con un tono festivo que invita a mover los pies. El inicio con slide de No es Tarde desemboca rápidamente en un tema con mucho Groove y un ritmo que directamente nos pone a bailar. Perfectos los coros. Le sigue, Gordo que es de lo mejor del disco, con su riff oscuro y canalla y una historia genial (“tocaba Jazz desde los 20”). El final de la cara B y del disco llega con Rollin’ Stone, curiosamente la menos stoniana de todas. En resumen, La soledad del Sheriff Kane muestra todas las influencias de Marvin Green, una banda con mucha calidad, capaz de tocar diferentes estilos y que se encuentra en un proceso de crecimiento imparable. Estoy deseando verlos en directo.

El grupo madrileño Magnética nos prometían un cambio de 180º en su sonido. Yo diría que más que un cambio, es un salto en la evolución de su música. Un mejor tratamiento y una apuesta por la calidad de la que puedo dar fe escuchando 'Friogenia' (Chitón Records). Se puede apreciar perfectamente el mimo con el que han sido creados los 11 temas cuando escuchas este sorprendente disco. Cada uno de los mismos te sumerge en un universo diferente, un universo lleno de matices que aprecias mejor con cada nueva escucha. Consiguen hacerte viajar al sonido más oscuro de los revitalizados 80', te hipnotizan con acordes que evocan tiempos más románticos, celebras que el nivel y calidad de los grupos indies patrios está cada día mas alto y gracias al buen hacer de Aksel Gil (voz y guitarras) e Israel Leal (bajo y coros) que ponen el listón muy alto.

La voz de su cantante que en ocasiones recuerda un Carlos Ann en plena efervescencia y sus trabajadas letras, se alejan del pop más básico. La producción de Manuel Colmenero y Javibu Carretero ha ayudado a continuar la madurez del grupo, dando un salto mortal hacia delante que hará las delicias de los paladares mas exquisitos. El hecho de ser un disco auto producido les da la libertad de hacer y expresar con música todo su potencial.

Pones 'Friogenia' en tu reproductor y desde su primera canción No tienes alma ya te das cuenta que estas escuchando algo grande. Te envuelven con el riff guitarrero De 1 a 2, la garra de Anagrama y su tema más pop No te lo diría. Ahora ya no puedes hacer nada. Nos recuerdan a los mejores tiempos de La Habitación Roja en Volarlo todo y Ley Universal y de vuelta a la oscuridad con Da igual. Momento de respiro con Terapia de Choque y volvemos a la acción con La Matriz, Ocho pasos, para finalizar redondeando con Lucha de Palabras.

Con este disco marcan un camino a seguir y una evolución, augurando un gran futuro y talento, que esperamos poder disfrutar durante mucho tiempo.